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Os fãs do shoegaze brasileiro podem se sentir contemplados com eternamente, (2025), segundo álbum do eliminadorzinho, lançado em setembro pela Cavaca Records. Entre riffs e suspiros, eliminadorzinho constrói uma teia sonora que se inspira nos clássicos indie, como Pavement ou Yo La Tengo, na visceralidade da <a href="https://www.noize.com.br/amor-lupe-de-lupe-faixa-faixa">Lupe de Lupe</a> e até no ritmo de Pepeu Gomes, tudo isso com muita originalidade. De algum modo, as 15 faixas condensam a identidade da banda:&nbsp;sintonia, humor ácido, coração exposto e vontade de ocupar o mundo com sua música.&nbsp;&nbsp;

O trio paulistano formado por Gabri Eliott, João Haddad e Tiago Schützer compartilham uma longa estrada de amizade e criação musical desde a adolescência. eternamente, (2025) nasceu de uma explosão criativa coletiva, com quase todas as músicas compostas em cerca de seis meses, e com todos se dividindo nos vocais.&nbsp;

“Foi o disco que salvou nossas vidas. Finalmente o que era pra ser”, diz João, resumindo o impacto do processo, que ele descreve como “uma loucura, um frenesi, uma revelação”. Gabri completa: “Entramos um na mente do outro e cada um completava as frases, músicas e os instrumentais um do outro”.&nbsp;

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Com produção assinada pela própria banda, ao lado de Calvin Voichicoski, Gabriel Olivieri e Rubens Adati, o disco é frenético, barulhento e amoroso. "Após 15 anos tocando juntos, seguimos como uma banda nova, com entrosamento antigo e energia infinita para conquistar o mundo", resumem.

Na ativa oficialmente desde 2016, o eliminadorzinho já havia conquistado espaço com Rock Jr (2021), eleito um dos melhores discos do ano pela APCA, e o EP Lapso (2019), parceria com o mineiro Fernando Motta.&nbsp;O rock do grupo não conhece fronteiras: da abertura instrumental "Tema do Centro da Terra", que homenageia o Espaço Cultural de mesmo nome em São Paulo, passando pela pancadaria de “A cidade é uma selva” — uma analogia indireta a "Welcome to the jungle"; até chegar ao alt-R&amp;B quase safado de “Sopa e café”, o disco traz um mix de estilos e referências distintas.

Leia também: <a href="https://www.noize.com.br/movimento-algum-album-de-fernando-motta-mescla-clube-da-esquina-com-shoegaze-leia-a-entrevista">“Movimento Algum”, álbum de Fernando Motta, mescla Clube da Esquina com shoegaze; leia a entrevista</a>

eternamente, faixa a faixa:&nbsp;

“Tema do Centro da Terra”: foi composta em uma tarde de ensaio, para o nosso primeiro show no Centro da Terra, a convite do [jornalista] Alexandre Matias, em uma tarde de ensaio. Percebemos que tinha espaço pra mais uma música no disco e trouxemos de volta, rearranjando e reaprendendo a tocar, e deixamos como uma introdução do disco. É a nossa primeira (e até agora única) faixa instrumental. Gosto que, como é um álbum extenso, ela funciona quase como uma introdução de ópera rock: como se estivéssemos viajando a um zilhão por hora pra chegar no universo do disco.

“A cidade é uma selva”: essa foi a primeira composição pós-Rock Jr, a mais antiga do disco, e ela nasceu inteira, de um improviso comandando pelo Tiago. Mesma lógica com que escrevemos “Canção pro Tony andar de skate”, do Rock Jr. E graças a Deus temos provas, porque senão, ninguém acreditaria: coloquei o meu celular pra gravar antes da gente começar a jam e saiu a música inteira. Algum dia vamos lançar essa primeira versão. Essa gravação de celular é a escritura sagrada dessa música. Quando entramos no estúdio, fizemos jus à gravação inicial. Meio música de sala de espera de manicômio.

“Viação Andorinha”: primeira música que o Hadd trouxe pra banda, fortemente inspirada pelo “ear-bleeding country” do Dinosaur Jr. O break no meio me lembra Superchunk, e o riff no final dela é inspirado em “Father of a sister of thought”, do Pavement. É uma música e letra bem auto-explicativa, canção de corno como todo bom sertanejo tem que ser, música pra esconder o chifre com o chapéu. Uma das nossas preferidas de tocar ao vivo.

“Blondie”: segunda música do disco que foi construída 100% em um improviso comandando pelo Tiago, com toda a letra e o arranjo surgindo logo de cara, como mágica. Tem trechos meio besta, tipo “eu você é legal”, e outros que dão um nó na cabeça: “menina do cabelo amarelo, eu quero ser você”. Até por isso acho que pode ser a nossa maior canção de amor, essa bagunça linda e esquisita que é o amor. Meio Pixies, meio Fugazi, meio Lupe de Lupe.&nbsp;

“Golpe baixo”: nossa música mais próxima das ideias apresentadas no Rock Jr., mas que tem uma evolução clara. Bastante influenciada por Polara e pelo nosso grande amigo Marchioretto, o quarto eliminadorzinho, que inclusive canta na faixa. Foi uma dessas músicas feitas “sob própria encomenda”, como “Pompeia” tinha sido no Rock Jr. Paramos e pensamos: “o que mais cabe nesse disco?” e construímos a partir daí. O fim é um pouco do que eu queria ter feito no fim de “Baixo Astral”, mas dessa vez mais heavy metal do que melodramático. O verso do Marchioretto veio dele, e a entrega vocal dessa música faz ela ser uma das melhores coisas que a gente já gravou.

&nbsp;“Não me deixe no almoxarifado”: uma das nossas favoritas do disco, parcialmente pelo processo: veio de uma progressão de acordes do Hadd, mas a letra era quase um spoken word. Peguei pra fazer a letra e ficou muito meloso, uma letra clichê comparando um amor que terminou com peças de roupa de inverno e de verão. O Hadd pegou algumas das ideias e refez a letra, e a gente foi encaixando a melodia.

A descida no meio da música veio de um ensaio, e o Tiago trouxe “eu só quero ser seu namorado” — um trecho refrescantemente direto pra uma música que é um tanto abstrata, e uma referência a uma composição de um amigo nosso, Felipe Kouznetz — e eu preenchi com “não me deixe no almoxarifado”, Naturalmente desaguou em uma interpolação de “Dear Prudence”, uma das nossas favoritas dos Beatles. É de chorar, mexe com a gente. “Vaivém”: se o Pepeu Gomes tocasse no Yo La Tengo. Outra composição incrível que o Hadd trouxe meio pronta. O órgão que entra no final foi uma ideia do nosso queridíssimo co-produtor Rubens Adati, e como nós temos uma longa história com Deep Purple, resolvemos acatar a ideia chamando justamente o Guilherme, irmão do Tiago, que nos apresentou a faixas como “Hush” e “You fool no one”. As paradas e voltas, pra mim pelo menos, remetem a “Shady Lane” do Pavement, e o órgão com efeitos no finalzinho me traz um gosto de Cocteau Twins que eu adoro.

“Querubim”: forte candidata à melhor música do disco, ela surgiu meio como uma tentativa de plagiar “Cannonball”, dos Breeders. Acabamos quebrando um pouco o riff de baixo e pegamos influência de “Lose You”, faixa da Bully com a Soccer Mommy. Deu no que deu. Tive muita dificuldade de pensar numa letra no começo, mas o Tiago sugeriu, quase profeticamente, o nome “querubim”.

A ideia remete um pouco aos temas explorados em “Blondie”, a forma que traz o amor como identificação, mas agora mais como tesão e obsessã. É um tanto sobre transicionar e se entender como uma travesti lésbica e os horrores além da compreensão que acompanham essa descoberta. A guitarra martelada do refrão e o feedback explosivo são inspirados em “Mayonaise”, do Smashing Pumpkins. Temos orgulho dela sempre que vemos a galera dançando junto nos shows.

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“Cinza e carmesim”: tinha esse riff há muitos e muitos anos, mas num ritmo meio emo/shoegaze. Larguei ele e nesse meio tempo fiquei viciada em PJ Harvey, e inspirada nela, refiz esse rif. Muitos anos atrás, olhando as ciclofaixas na Paulista, essa combinação de cores surgiu na minha cabeça.

Comecei a construir uma letra mais abstrata e visceral, tentando fugir dos meus vícios líricos, sobre transicionar e encontrar força na raiva. O refrão é, não intencionalmente, muito parecido com “Máscara”, da Pitty. A ponte é, intencionalmente, Nirvana. O Rubens sentou e em um take escreveu a melhor guitarra solo do mundo. Ela chama atenção justamente pela simplicidade e raiva dela, é muito boa. “Sopa e café”: se no Rock Jr. tentei fugir um pouco do “rock triste”, eu considero esse disco e essa música especificamente a minha tentativa de escrever um disco sexy. Juro. Pensei primeiro nesse conceito do aroma de sopa e café, a partir de uma experiência sexual, mas também como símbolos que conectam a noite e o dia. Depois disso vieram as ideias dos acordes e de fazer uma música bem In Rainbows, tentando puxar esse alt-R&amp;B-triste-safado, de onde inclusive veio a ideia de colocar uma “percussão oral” no meio acompanhando a bateria.

Depois o Tiago e o Hadd transformaram em parte da letra, o que é referência de “Fim de festa”, do Itamar [Assumpção] com o Naná [Vasconcelos], que constrói algumas letras tão fortes líricas quanto foneticamente. É uma música para se escutar a um milhão de decibéis, para se envolver e resfolegar na mesma altura.

“Você vai me escutar”: ao meu ver, o hit “secreto” do disco. É um riff totalmente Pavement, nessa pegada meio rock ‘n roll-slacker. Considero as mudanças de andamento da música alguns dos melhores momentos do disco inteiro, e nas poucas vezes que tocamos ao vivo, já percebemos que a galera se amarrou. É uma sensação incrível. Rock sobre amar e sobre amar o Rock. Acho que vai ser ainda mais forte na turnê do disco!

“Alguma hora você vai ter que tirar a roupa do varal”: essa é uma das maiores letras do disco justamente pelo seu peso lírico: ela vale para tantas situações de convivência extrema, seja entre irmãos, entre amores, ou entre amigos ou colegas de apartamento. Ela vai pra muitos lugares, tem acordes muito diferentes. O último refrão começa com uma puxada vocal que lembra Fat Family, e o solo (que chegou no final, quase não teve) é extremamente Oasis.

“Tá legal/Se lembra?”: crua, densa, deliciosa. Ela é muito clichê e melodramática e até por isso, desde sempre a decisão foi gravá-la ao vivo, em um take único, sem correção de vozes ou overdubs. A única coisa que cedemos foi o backing vocal do Tiago, sugerido pelo Rubens e pelo Gabriel, e ficou lindo demais. Traz um ar angelical que faltou na música. Composição inspirada em “Lover, you should’ve come over” do Jeff Buckley e “Idas e vindas do amor” da Sophia Chablau. “Chap chap chuap pop”: essa demorou bastante tempo pra desenrolar. Nunca falamos muito da música enquanto ela era escrita, mas é sobre a banda e nossa relação como amigos: o nosso mundo particular, a inadequação social que caímos de vez em quando, e o empurrão que cada um dá no outro quando preciso. Ainda não estreamos nos palcos, então tenho muita expectativa pra ver a galera gritando e dançando ao som dessa.

“Você me deixa coisado (Bonus track)”: uma “bonus track” forçada — foi gravada impromptu enquanto terminamos de gravar os overdubs no Inhamestúdio. Era uma composição que o Hadd já tinha mostrado depois de termos terminado as bases, quando começamos a tocar percebemos que o Rubens estava gravando tudo secretamente. Foi um take e ficou perfeito. Mas acho que os sons se sobrepondo adicionam ainda mais à canção, e é um encerramento perfeito pra essa hora intensa de rock barulhento.

Os fãs do shoegaze brasileiro podem se sentir contemplados com eternamente, (2025), segundo álbum do eliminadorzinho, lançado em setembro pela Cavaca Records. Entre riffs e suspiros, eliminadorzinho constrói uma teia sonora que se inspira nos clássicos indie, como Pavement ou Yo La Tengo, na visceralidade da <a href="https://www.noize.com.br/amor-lupe-de-lupe-faixa-faixa">Lupe de Lupe</a> e até no ritmo de Pepeu Gomes, tudo isso com muita originalidade. De algum modo, as 15 faixas condensam a identidade da banda:&nbsp;sintonia, humor ácido, coração exposto e vontade de ocupar o mundo com sua música.&nbsp;&nbsp;



O trio paulistano formado por Gabri Eliott, João Haddad e Tiago Schützer compartilham uma longa estrada de amizade e criação musical desde a adolescência. eternamente, (2025) nasceu de uma explosão criativa coletiva, com quase todas as músicas compostas em cerca de seis meses, e com todos se dividindo nos vocais.&nbsp;<div id="videoAd">*</div> <script type="text/javascript">var t = "//des.smartclip.net/ads?type=dyn&plc=90854&sz=400x320&elementId=videoAd";t += "&ref=" + encodeURIComponent(window.top.document.URL);t += "&rnd=" + Math.round(Math.random()*1e8);var s = document.createElement("script");s.type = "text/javascript";s.src = t;document.body.appendChild(s);</script>



“Foi o disco que salvou nossas vidas. Finalmente o que era pra ser”, diz João, resumindo o impacto do processo, que ele descreve como “uma loucura, um frenesi, uma revelação”. Gabri completa: “Entramos um na mente do outro e cada um completava as frases, músicas e os instrumentais um do outro”.&nbsp;







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Com produção assinada pela própria banda, ao lado de Calvin Voichicoski, Gabriel Olivieri e Rubens Adati, o disco é frenético, barulhento e amoroso. &#8220;Após 15 anos tocando juntos, seguimos como uma banda nova, com entrosamento antigo e energia infinita para conquistar o mundo&#8221;, resumem.



Na ativa oficialmente desde 2016, o eliminadorzinho já havia conquistado espaço com Rock Jr (2021), eleito um dos melhores discos do ano pela APCA, e o EP Lapso (2019), parceria com o mineiro Fernando Motta.&nbsp;O rock do grupo não conhece fronteiras: da abertura instrumental &#8220;Tema do Centro da Terra&#8221;, que homenageia o Espaço Cultural de mesmo nome em São Paulo, passando pela pancadaria de “A cidade é uma selva” — uma analogia indireta a &#8220;Welcome to the jungle&#8221;; até chegar ao alt-R&amp;B quase safado de “Sopa e café”, o disco traz um mix de estilos e referências distintas.



Leia também: <a href="https://www.noize.com.br/movimento-algum-album-de-fernando-motta-mescla-clube-da-esquina-com-shoegaze-leia-a-entrevista">“Movimento Algum”, álbum de Fernando Motta, mescla Clube da Esquina com shoegaze; leia a entrevista</a>



eternamente, faixa a faixa:&nbsp;



“Tema do Centro da Terra”: foi composta em uma tarde de ensaio, para o nosso primeiro show no Centro da Terra, a convite do [jornalista] Alexandre Matias, em uma tarde de ensaio. Percebemos que tinha espaço pra mais uma música no disco e trouxemos de volta, rearranjando e reaprendendo a tocar, e deixamos como uma introdução do disco. É a nossa primeira (e até agora única) faixa instrumental. Gosto que, como é um álbum extenso, ela funciona quase como uma introdução de ópera rock: como se estivéssemos viajando a um zilhão por hora pra chegar no universo do disco.



“A cidade é uma selva”: essa foi a primeira composição pós-Rock Jr, a mais antiga do disco, e ela nasceu inteira, de um improviso comandando pelo Tiago. Mesma lógica com que escrevemos “Canção pro Tony andar de skate”, do Rock Jr. E graças a Deus temos provas, porque senão, ninguém acreditaria: coloquei o meu celular pra gravar antes da gente começar a jam e saiu a música inteira. Algum dia vamos lançar essa primeira versão. Essa gravação de celular é a escritura sagrada dessa música. Quando entramos no estúdio, fizemos jus à gravação inicial. Meio música de sala de espera de manicômio.







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 “Viação Andorinha”: primeira música que o Hadd trouxe pra banda, fortemente inspirada pelo “ear-bleeding country” do Dinosaur Jr. O break no meio me lembra Superchunk, e o riff no final dela é inspirado em “Father of a sister of thought”, do Pavement. É uma música e letra bem auto-explicativa, canção de corno como todo bom sertanejo tem que ser, música pra esconder o chifre com o chapéu. Uma das nossas preferidas de tocar ao vivo.



“Blondie”: segunda música do disco que foi construída 100% em um improviso comandando pelo Tiago, com toda a letra e o arranjo surgindo logo de cara, como mágica. Tem trechos meio besta, tipo “eu você é legal”, e outros que dão um nó na cabeça: “menina do cabelo amarelo, eu quero ser você”. Até por isso acho que pode ser a nossa maior canção de amor, essa bagunça linda e esquisita que é o amor. Meio Pixies, meio Fugazi, meio Lupe de Lupe.&nbsp;



“Golpe baixo”: nossa música mais próxima das ideias apresentadas no Rock Jr., mas que tem uma evolução clara. Bastante influenciada por Polara e pelo nosso grande amigo Marchioretto, o quarto eliminadorzinho, que inclusive canta na faixa. Foi uma dessas músicas feitas “sob própria encomenda”, como “Pompeia” tinha sido no Rock Jr. Paramos e pensamos: “o que mais cabe nesse disco?” e construímos a partir daí. O fim é um pouco do que eu queria ter feito no fim de “Baixo Astral”, mas dessa vez mais heavy metal do que melodramático. O verso do Marchioretto veio dele, e a entrega vocal dessa música faz ela ser uma das melhores coisas que a gente já gravou.



&nbsp;“Não me deixe no almoxarifado”: uma das nossas favoritas do disco, parcialmente pelo processo: veio de uma progressão de acordes do Hadd, mas a letra era quase um spoken word. Peguei pra fazer a letra e ficou muito meloso, uma letra clichê comparando um amor que terminou com peças de roupa de inverno e de verão. O Hadd pegou algumas das ideias e refez a letra, e a gente foi encaixando a melodia.



A descida no meio da música veio de um ensaio, e o Tiago trouxe “eu só quero ser seu namorado” — um trecho refrescantemente direto pra uma música que é um tanto abstrata, e uma referência a uma composição de um amigo nosso, Felipe Kouznetz — e eu preenchi com “não me deixe no almoxarifado”, Naturalmente desaguou em uma interpolação de “Dear Prudence”, uma das nossas favoritas dos Beatles. É de chorar, mexe com a gente. “Vaivém”: se o Pepeu Gomes tocasse no Yo La Tengo. Outra composição incrível que o Hadd trouxe meio pronta. O órgão que entra no final foi uma ideia do nosso queridíssimo co-produtor Rubens Adati, e como nós temos uma longa história com Deep Purple, resolvemos acatar a ideia chamando justamente o Guilherme, irmão do Tiago, que nos apresentou a faixas como “Hush” e “You fool no one”. As paradas e voltas, pra mim pelo menos, remetem a “Shady Lane” do Pavement, e o órgão com efeitos no finalzinho me traz um gosto de Cocteau Twins que eu adoro.



“Querubim”: forte candidata à melhor música do disco, ela surgiu meio como uma tentativa de plagiar “Cannonball”, dos Breeders. Acabamos quebrando um pouco o riff de baixo e pegamos influência de “Lose You”, faixa da Bully com a Soccer Mommy. Deu no que deu. Tive muita dificuldade de pensar numa letra no começo, mas o Tiago sugeriu, quase profeticamente, o nome “querubim”. 



A ideia remete um pouco aos temas explorados em “Blondie”, a forma que traz o amor como identificação, mas agora mais como tesão e obsessã. É um tanto sobre transicionar e se entender como uma travesti lésbica e os horrores além da compreensão que acompanham essa descoberta. A guitarra martelada do refrão e o feedback explosivo são inspirados em “Mayonaise”, do Smashing Pumpkins. Temos orgulho dela sempre que vemos a galera dançando junto nos shows.













“Cinza e carmesim”: tinha esse riff há muitos e muitos anos, mas num ritmo meio emo/shoegaze. Larguei ele e nesse meio tempo fiquei viciada em PJ Harvey, e inspirada nela, refiz esse rif. Muitos anos atrás, olhando as ciclofaixas na Paulista, essa combinação de cores surgiu na minha cabeça. 



Comecei a construir uma letra mais abstrata e visceral, tentando fugir dos meus vícios líricos, sobre transicionar e encontrar força na raiva. O refrão é, não intencionalmente, muito parecido com “Máscara”, da Pitty. A ponte é, intencionalmente, Nirvana. O Rubens sentou e em um take escreveu a melhor guitarra solo do mundo. Ela chama atenção justamente pela simplicidade e raiva dela, é muito boa. “Sopa e café”: se no Rock Jr. tentei fugir um pouco do “rock triste”, eu considero esse disco e essa música especificamente a minha tentativa de escrever um disco sexy. Juro. Pensei primeiro nesse conceito do aroma de sopa e café, a partir de uma experiência sexual, mas também como símbolos que conectam a noite e o dia. Depois disso vieram as ideias dos acordes e de fazer uma música bem In Rainbows, tentando puxar esse alt-R&amp;B-triste-safado, de onde inclusive veio a ideia de colocar uma “percussão oral” no meio acompanhando a bateria.



Depois o Tiago e o Hadd transformaram em parte da letra, o que é referência de “Fim de festa”, do Itamar [Assumpção] com o Naná [Vasconcelos], que constrói algumas letras tão fortes líricas quanto foneticamente. É uma música para se escutar a um milhão de decibéis, para se envolver e resfolegar na mesma altura.



“Você vai me escutar”: ao meu ver, o hit “secreto” do disco. É um riff totalmente Pavement, nessa pegada meio rock ‘n roll-slacker. Considero as mudanças de andamento da música alguns dos melhores momentos do disco inteiro, e nas poucas vezes que tocamos ao vivo, já percebemos que a galera se amarrou. É uma sensação incrível. Rock sobre amar e sobre amar o Rock. Acho que vai ser ainda mais forte na turnê do disco!



“Alguma hora você vai ter que tirar a roupa do varal”: essa é uma das maiores letras do disco justamente pelo seu peso lírico: ela vale para tantas situações de convivência extrema, seja entre irmãos, entre amores, ou entre amigos ou colegas de apartamento. Ela vai pra muitos lugares, tem acordes muito diferentes. O último refrão começa com uma puxada vocal que lembra Fat Family, e o solo (que chegou no final, quase não teve) é extremamente Oasis.



“Tá legal/Se lembra?”: crua, densa, deliciosa. Ela é muito clichê e melodramática e até por isso, desde sempre a decisão foi gravá-la ao vivo, em um take único, sem correção de vozes ou overdubs. A única coisa que cedemos foi o backing vocal do Tiago, sugerido pelo Rubens e pelo Gabriel, e ficou lindo demais. Traz um ar angelical que faltou na música. Composição inspirada em “Lover, you should’ve come over” do Jeff Buckley e “Idas e vindas do amor” da Sophia Chablau. “Chap chap chuap pop”: essa demorou bastante tempo pra desenrolar. Nunca falamos muito da música enquanto ela era escrita, mas é sobre a banda e nossa relação como amigos: o nosso mundo particular, a inadequação social que caímos de vez em quando, e o empurrão que cada um dá no outro quando preciso. Ainda não estreamos nos palcos, então tenho muita expectativa pra ver a galera gritando e dançando ao som dessa.



“Você me deixa coisado (Bonus track)”: uma “bonus track” forçada — foi gravada impromptu enquanto terminamos de gravar os overdubs no Inhamestúdio. Era uma composição que o Hadd já tinha mostrado depois de termos terminado as bases, quando começamos a tocar percebemos que o Rubens estava gravando tudo secretamente. Foi um take e ficou perfeito. Mas acho que os sons se sobrepondo adicionam ainda mais à canção, e é um encerramento perfeito pra essa hora intensa de rock barulhento.

Frenético, o álbum, com quase uma hora de duração, traz 15 hinos sobre amor,

entre guitarras e corações partidos.

eliminadorzinho dedica sua pancadaria sonora aos românticos; entenda “eternamente,” faixa a faixa

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